《艺术学院1994》是刘健执导的第三部电影，他带领中国美术学院师生团队历时五年完成了这部半自传作品。
作为一部非传统意义的动画电影，本片于2023年入围柏林电影节主竞赛单元，2024年入选奥斯卡最佳动画长片大名单，2025年6月21日与中国院线观众见面。
《艺术学院1994》
影片以1994年的南方某艺术学院为背景，讲述几个美术系和音乐系大学生的青春故事。“创作瓶颈”可能是只属于艺术家的永恒命题，但对现状的焦虑和对前路的迷茫存在于所有人的成长过程。他们就像那只屡次从墙上跌落的甲虫一般，在懵懂的爱情与友情中进行探索，在艺术理想与残酷现实中做出抉择。
比起个体英雄主义，刘健或许更想在《艺术学院1994》中强调集体记忆。
他通过群像叙事展现大学生在社会转型期的迷茫与成长，沉默寡言的非传统主角、风格各异的男生女生宿舍、校园内外多个维度的人物，共同构成了一副生动的时代拼图。
90年代是经济浪潮与艺术思潮交织的年代，年轻人们积极地面对着“艺术是否需要学院规训”、“学艺术是否为了出名”等灵魂拷问。从对西方艺术的向往到对传统价值的重审，他们的争论与选择折射出全球化背景下中国青年的身份焦虑，即便在今天，这些问题仍然值得我们深思。
影片在视觉上延续了刘健标志性的手绘风格，如古典油画般细腻，老旧的教室、江边落日等场景不仅真实且充满诗意，仿佛隔着画面就能闻到南方独有的潮味。麦当劳门牌、校园标语、崔健唱片等时代符号不时出现，作为环境叙事，令人沉浸其中。
人物形象刻意保留了刘健以往作品的粗粝感，抛开构成简单的面部线条和肢体动作，声音扛起了传递情绪的重任。当主流动画在极力追求更加流畅的动作时，刘建坚持以“动态绘画”来凸显作者性，拼贴式的构图也进一步强化了实验色彩。
虽然有人将本片调侃为“播放PPT”，它带来的视听感受毕竟是新奇、充满趣味的，这是一条与传统商业动画不同的美学之路。
影片的声音部分也有许多大胆尝试，董子健、周冬雨、仁科、贾樟柯、毕赣、许知远等明星名人共同献声，用日常淳朴的声线赋予角色鲜活个性。
虽然视觉上“非主流”，影片对迷茫的诚实呈现恰恰是最大的真实——即便是那个年代的大学生活并不是充满传奇和史诗，同样存在“怯懦”与“逃避”。片中响起崔健的《快让我在雪地上撒点野》，完美还原了90年代的文化现场，歌曲从静谧的古风序曲到急促的摇滚高潮，通过节奏变化隐喻从压抑到爆发的情绪递进。
导演刘健用画笔留住的不仅是他的个人记忆，更是一代人在理想主义余晖下的集体肖像。当实拍受限于具体历史细节时，手绘动画或许更能捕捉到核心的时代精神。
正如刘健所说，拍《艺术学院1994》并不是为了单纯怀旧，更在于揭示艺术与青春的永恒矛盾。它引发一种思考——在信息爆炸吞噬一切的今天，我们是否失去了90年代青年独立思考的能力与勇气？
《环球银幕》专访
《艺术学院1994》导演刘健
集导演、编剧、原画、动画于一身，刘健的全能创作方式令人瞠目。2010年，他凭导演首作《刺痛我》一鸣惊人，2017年第二部作品《大世界》更是在国际上大放异彩，成为首部入围柏林主竞赛单元的华语动画片。他以动画为载体解剖转型期的中国社会，填补了华语成人向现实题材动画的空白。
在《艺术学院1994》中，刘健一改往日的讽刺与尖锐，“诙谐幽默”了起来，影片的画面与主题充满了天真烂漫的气息，在惊叹于导演才华的同时，我们也对影片背后的创作故事感到好奇。
Q：相较于前两部作品《刺痛我》和《大世界》犀利的美学风格，《艺术学院1994》在画面和内容上都柔和了很多。为什么？本片中还有哪些新的尝试？
刘健：没有为什么，一切的设定都是根据电影的主题来设定的。与前两部相比，对我来说各方面都是新的尝试，主题和故事都是完全不一样的概念。《大世界》的主题和画风都是比较硬朗的，而《艺术学院1994》讲校园里的青春，是属于年轻人的电影，而且是回忆中的九十年代。那个年代与现在相比更加朴素、单纯，节奏更缓慢，我们想细腻地展现一些比较优美、温柔、带有温度的故事。
Q：动画通常来说具有“塑造奇观”的属性，为何你要坚持较为冷静的偏现实主义的手绘形式？对你来说这种传统方式（在数字时代）有何特殊意义？
刘健：没有什么特殊的意义，我只是想去做“不通常”的事情。在这些展现形式上，大家也是互不影响。艺术没有标准答案，你可以做这样的，他也可以做那样的——毕竟动画是一个更加开放的艺术形式。我想每个人在生活中都会需要各种形式的“美”和“艺术”，只是有些人没有意识到这一点。
Q：《艺术学院1994》的文本和配音无疑是最大的亮点，评价却有些褒贬不一，你在角色的台词和配音上有哪些考虑？
刘健：台词主要是根据角色设计，这些角色几乎都有原型，再由很多人的经历融合在一起。配音则是想突出日常化，还原“生活的声音”——比如说那时候大学生是如何说话，再去掉表演化的痕迹。《大世界》的风格偏“街头”，所以配音演员更多地是我的熟人；而这次对人物内心的表达有更多的要求，所以采用了更多职业演员。
选择的侧重点也是听演员们日常讲话的声音，而不是他们进入表演状态的声音，从而找到最符合角色设定的人选。一些与配音演员的交流是我通过制片人杨城完成的，我们会更在意角色的语速，给人物设定一些习惯性的口头禅来塑造性格。
我们给演员很大的创作自由，他们先进行多种尝试，提供选项，我们再在其中做出选择，最终的效果也非常惊艳，超出了我们的预期。
Q：《艺术学院1994》聚焦90年代艺术院校的生态，是什么让你选择将这个年代搬上银幕？
刘健：其实我也不知道为什么，可能是因为我之前写过一个小说，一直都想把它改编成电影。虽然三十年过去，现在的大学生在成长中依然会遇到当时的困境，我就想办法把它做出来了。就像前两部影片，它们是我的一种表达，也算是我在经验、技术上的一种铺垫。
Q：角色们的故事能让人感受到90年代理想主义与现实主义的碰撞，对90年代的细节还原也令人惊叹，你如何在影片中平衡历史的真实性和艺术再创作？
刘健：我觉得不需要“平衡”，这两者其实就是你创作的一部分，它们是一直贯穿始终、相辅相成的。
Q：对比当下艺术院校商业化的现象，你如何看待90年代那种“思维野蛮生长”的环境？
刘健：主角张小军的一些设定和经历取自于我本人，比如在国画班学习。每个时代有每个时代的特质，我想那个时代的关键词就是“理想主义”。它们有共同点，也有不同的地方，没有绝对的好与坏这一说，毕竟是三十年的跨度，许多东西都会随时间改变。
Q：从前两部的偏艺术表达的作品到《艺术学院1994》这部看上去似乎有些商业化的作品，你是如何平衡其中的商业性和艺术性的？
刘健：不管是所谓的商业性还是艺术性，都有其独特的价值。就像“大众”与“专业”，它们一定程度上也能够随时间相互转化，让大众能够更好地接触艺术。我个人还是更想在自己的电影中强调艺术性，我也并没有刻意地把《艺术学院1994》当成商业片来制作。在我心目中，艺术就是最重要的。
Q：《艺术学院1994》由你带领美术学院师生团队完成，在此过程中遇到了哪些困难和挑战？有没有什么遗憾？
刘健：和团队一起创作确实有不一样的地方，团队中的人员需要管理，这是最大的不同。你需要协调他们的创作节奏，统一他们作画的风格，从而符合影片的内容。我本来是一个人创作，现在也喜欢上了团队合作，不过也没有孰优孰劣这一说，还是要看电影具体的设定和要求。
比较遗憾的是，影片在内容上大概有十几分钟的删减，但“遗憾”也属于电影客观存在的一部分，我们要允许它们存在，人无完人。比如说片尾字幕对人物结局的补充，这个更多是制片人杨城的设计。也许这时候已经有观众开始离场了，这个结局代表了那个年代的无尽可能性，不需要把它当真，当然也可以简单地理解成一种“开放式结局”。
Q：你会延续《艺术学院1994》的创作风格吗？或是有其他尝试？
刘健：我还是会延续自己的艺术风格，但会尝试不同的故事和主题，这就需要做取舍和选择，也许下一部电影又会完全不一样。目前还没有在筹备中的项目，只能说在我脑中有一些选项，一切还在酝酿中。
